Roland Josef Leopold Neuwirth, geboren am 31.10.1950, seines Zeichens selber Wiener, Autor, Sänger und Komponist. Anfang der 70er entdeckte er die Schrammelmusik für sich und somit auch das Wienerlied. Seitdem hat er bereits unter anderem mit seinen Extrem-Schrammeln viele Tonträger veröffentlicht und sich um die Weiterentwicklung der traditionellen Wiener Volksmusik sehr verdient gemacht.  Die Extremschrammeln bestehen nun seit 25 Jahren und haben das Wienerlied musikalisch wie textlich neu belebt. 1993 wurde ihm der Nestroy-Ring für seine Leistungen verliehen.
Seine Musik folgt in ihrem Auftreten den Ur-Schrammeln (die Besetzung der Gruppe: zwei Geigen, Kontragitarre, Knöpferlharmonika, Überstimme), bedient sich aber hemmungslos neuer Wichtigkeiten: ein bißchen Blues, etwas Rock ´n´ Roll, eine Ahnung Jazz. Aber erst seine Sprache macht Roland Neuwirth zum Separatisten. Sie verleiht ihm, frech, rotzig und vulgär-poetisch, jene scharfen Konturen, für die das moderne Wien jede Subtilität verloren hat.

die erfinder des DESERT ROCK aus tucson arizona   - der soundtrack der wüste - die mutter von CALEXICO

Howe Gelb, die graue Eminenz des US-amerikanischen Gitarren-Undergrounds, gründete bereits 1980 in Tucson, Arizona, die Band Giant Sandworms, aus der so erfolgreiche Gruppen wie Meat Puppets oder Green On Red hervor gingen. 1984 legt er dann den Grundstein für Giant Sand, die zu seinem Hauptprojekt heranwachsen. Bis 2002 bildeten die Musiker John Convertino und Joey Burns zusammen mit Gelb die Basis von Giant Sand, obwohl sie daneben inzwischen ein eigenes recht erfolgreiches Projekt hatten: Calexico.
All diesen Bands ist gemein, dass sie unter dem Begriff "Desert Rock" bekannt bzw. schubladisiert sind - gitarrenlastige, verspielte Musik, die so etwas wie den Soundtrack zu Arizonas Wüstenlandschaft darstellt. Das letzte Album von Giant Sand und Howe Gelb mit dem Titel "ProVisions" hat er 2008 mit einem neuen Musikerkreis in Dänemark eingespielt.

Howe Gelb – Gesang, Gitarre
Thøger T. Lund – Bass
Anders Pedersen – Gitarre
Nicolai Heyman Gitarre, Piano
Peter Dombernowsky – Schlagzeug
 

EIN RIESENSPASS -  to bring the sexy thing back into instrumental music....

Oberste Priorität hat bei Sexmob der Humor, mit dem sie in die Lachzentren der Hörer eindringen, um dort einen nachhaltigen Eindruck zu hinterlassen. Fundiertes Handwerk, ungeheure Kreativität und perfekte Kommunikation tun ihr Übriges, um diese Formation zu einer Ausnahmeband werden zu lassen. Und sei die Ausnahme auch, daß sie sich selbst als "the workingest band in New York no one has ever heard of" bezeichnen.
Ihr musikalisches Konzept verarbeitet neben Eigenkompositionen vor allem berühmte Stücke großer Vorbilder. Von Madonna über James Bond bis zur "Schönen Blauen Donau" (Johann Strauss) spannt sich ihr Liederreigen, der sich laut Jazzthing als Freakshow zwischen Kirmes-Dixieland, Festzelt-Funk und Free Jazz präsentiert. Diese Verortung klingt ebenso skuril wie die Musik der vier Sexmobber.

die wohl beste Beerdigungskapelle der Welt:  Dead Music For Dead People

in den Songs wird instrumental geächzt und gestöhnt. Das machen die toten Brüder so stimmig, dass es eine wahre Freude Das ist zwar ein Widerspruch aber trotzdem wahr.
The Dead Brothers haben nichts zu verlieren, sie befinden sich bereits an dem Point Of No Return, an der Schwelle zum Nichts und spielen frei auf. Dafür brauchen sie nicht viel. Ein Kompendium von akustischen Instrumenten, zu einer Art traditioneller Marching Band geformt, zelebriert den Blues, durchzogen von knarzendem Folk und Schlagerverständnis des jüngeren 20. Jahrhunderts. Die Blechbläser verstaubt bis zum Schluss, die Schlagzeugfelle zuletzt in den Sezessionskriegen gewechselt, taumeln sie im Rhythmus der Tuba dem Sensenmann hinterher

No Guns To Town - Born To Be Free. RootsReggaeRiddims - JAmaica - packed by House Of Riddims

2003 schlug Natty King mit „No Guns To Town” ein wie eine Bombe, auf Jamaica, in den Staaten genauso wie in Europa. Auch der Nachfolger „Mr. Greedy“ sorgte für Wirbel und hielt sich einige Zeit in den Charts.Auch wenn „the man from the East“ danach nicht mehr viel nennenswertes auf den Markt brachte war er maßgeblich daran beteiligt das Roots & Culture 2004 wieder Einzug in die Dancehall und die Charts erhielt
Natty King dürfte mit "No Guns to town"(2002) oder seinem Debut Album "The Man from the East"(2003) noch in den Ohren klingen. Inzwischen hat Natty King durch viele Auftritte in Europa eine 2te Heimat und mit House of Riddim ein neues Label gefunden. Mit "Real Herbalist" trug diese Kooperation 2008 Früchte und gipfelt in einem wunderschönem Rasta-Roots-Reggae Album "Born to be free" - das soeben erschienen ist.

Mit Wärme und Kraft durch Höhen und Tiefen: Die dänsiche Sängerin Susi Hyldgaard

Die frechste Jazzstimme zwischen Björk, Cassandra Wilson und Joni Mitchell. “Sie singt Standards, als wäre es das erste Mal” (Die Zeit). Höchst unkonventionell und ideenreich interpretiert die Dänin bekannte Originale und verzaubert sie mit ihrer ureigenen Bühnenmagie. “Nur wenige vermögen die Jazz-Tradition mit so viel unbefangener Leichtigkeit im Zeitgeist aufzufangen”, schreibt der Kritiker Wolf Kampmann.
Es lebe die Nachhaltigkeit und die Grenzenlosigkeit: Seit 15 Jahren und mittlerweile sieben Alben erfindet sich die wunderbar wandelbare Susi Hyldgaard, Sängerin, Pianistin und Komponistin aus Kopenhagen, immer wieder neu und bleibt sich dabei trotzdem treu.

Der mit dem Flügel tanzt: der neue Piano-Superstar aus Kuba mit neuer cd: YO

Er wird als «Wunderkind» und legitimer Nachfolger von Rubén González bezeichnet – und ist doch weit mehr: Der kubanische Pianist Roberto Fonseca  war gerade einmal 23 Jahre alt, als der große Ibrahim Ferrer ihn 2001 als Nachfolger des verstorbenen Maestro González in den «Buena Vista Social Club» einlud. Und erwies sich rasch als Musiker von magischer Kraft, der noch im selben Jahr beim Montreux Jazz Festival die Weltöffentlichkeit entzückte und mit Wayne Shorter, Michael Brecker und  Brian Blade zusammenarbeitete. Fonseca gilt  als der bedeutendste Pianist seiner Generation. Er flirtet mit Jungle, Drum’n’Bass, Klassik und Soul; dabei hat der Pianist die Wurzeln der kubanischen Musik sehr präzise studiert. Er liebt das percussive Element, bringt das Afro-Kubanische ins Spiel, und nebenbei entlockt er seinem Synthesizer ein flirrendes Steel-Drum-Solo. Es ist nicht allein das musikalische Können, das sein Spiel von auszeichnet, es ist auch das Studium der an Zitaten reichen kubanischen Musik, ihrer vielfältigen Einflüsse und das Wissen um all jene Erkundungen, die geradewegs in die Zukunft führen.

Marc Ribot ist ein Tausendsassa, der Jahr für Jahr mit neuen Projekten und neuen Musikern an seiner Seite aufwartet. Das Spiel dieses Enfant terrible des Jazz wirkt unprätentiös, ist aber immer und überall leicht wieder erkennbar, weil er aus vordergründig schnoddrig hingeworfenen Klangzirkeln neue Formen kreiert, die nicht immer auf Anhieb durchschaubar sind. Ribot gehört  zum innovativen Tross von John Zorn, begleitete immer wieder namhafte Singer-Songwriter (Tom Waits, Vinicio Capossela, Mimmo Locasciulli) dies- und jenseits des Atlantiks und machte unter anderen Projekten auch mit den „Cubanos postizos“ für Furore...
Der äußerst experimentierfreudige und umtriebige, in New York lebende Gitarrist Marc Ribot bewegt sich höchst erfolgreich im Spannungsfeld zwischen Avantgarde und Populärmusik. Bekannt wurde er als Mitglied der Lounge Lizards und durch seine Zusammenarbeit mit Tom Waits, Elvis Costello, Bill Frisell oder John Zorn, aber auch durch eine Menge eigener Projekte, etwa seiner lateinamerikanisch inspirierten Band „Los Cubanos Postizos“. Marc Ribot kennt keinerlei musikalische Berührungsängste, sprengt permanent alle Genregrenzen und ist stets für Überraschungen gut.
Der musikalische Querdenker umgeht alle gängigen Klischees und macht sich ohne jeglichen Respekt über traditionelles Musikmaterial her, unberechenbar und ziemlich durchgeknallt, fallweise durchaus mit einer gewissen Punk-Attitüde. Sein geniales Trio „Ceramic Dog“ versteht Marc Ribot als Rockband, mit dem Quartett „Spiritual Unity“ spürt er hingegen durchaus jazzorientiert der Musik des legendären Albert Ayler nach. Mit der Rhythm-Section der „Spiritual Unity“ spielt Marc Ribot nun im Trio. Der lange völlig in Vergessenheit geratene Bassist Henry Grimes, ein unglaublicher Techniker, begann seine Karriere in den 50er Jahren bei Sonny Rollins, Monk und Mingus und zählt in den 60er Jahren zu den zentralen Figuren des Free-Jazz. Ende der 60er Jahre zog er sich völlig aus dem Musikbusiness zurück und galt drei Jahrzehnte lang als verschollen bzw. gestorben. Umso überraschender kam das Comeback des charismatischen Musikers im Jahr 2003. Drummer Chad Taylor ist im Avantgarde-Jazz ebenso zuhause wie in der Post Rock-Szene Chicagoes, wo er unter anderem das „Chicago Underground Orchestra“ mitbegründete und mit „Tortoise“, Jim O’Rourke oder den „Mouse on Mars“ kollaboriert.

der größte Geheimtipp der deutschen Chansonszene -  mit ihrer originellen Mischung aus Bossa Nova, Jazz, Chanson und Pop ragt sie aus der Szene heraus...

Kitty Hoff gilt als einer der größten Geheimtipps der deutschen Chansonszene, die mit ihrer originellen Mischung aus Bossa Nova, Jazz, Chanson und Pop aus der deutschen Musikszene herausragt. Ihr Weg führte durch westfälische Elternhausmusik, Kammerchöre, diverse Studiengänge, Brecht’sche Chansonwälder, schöne Auszeichnungen, Umbrüche, Umzug nach Berlin, den ersten Plattenvertrag bei Virgin/EMI, 2 Alben, 2 Kinder und mündet in eine große Fangemeinde. Mit ihrem dritten Album „Zuhause“ kommt sie nun dort an, wo die musikalisch blauen Träume beheimatet sind: beim traditionsreichen Jazz-Label Blue Note/EMI (als erste deutsche Künstlerin neben Götz Alsmann).

Morten Qvenild: IN THE COUNTRY -  NORWEGEN - ein abend auf dem Lande - zwischen Jazz, Klassik & Rock

In The Country» ist momentan sicherlich eines der angesagtesten und eigenständigsten Piano Trios, das neue Klänge zwischen Jazz und Alternativ Rock auslotet. Morten Qvenild, der Pianist des Trios, ist anerkannter Komponist und Songwriter mit einer starken eigenen Handschrift. In den Liedern kommt viel musikalische Freiheit zum Ausdruck und eine große Sicherheit, frei mit den verschiedensten Stilen umzugehen. Man spürt den Hang zum absurd Komischen und zu einer spröden aber feinsinnigen Melancholie, die nie ein Augenzwinkern missen lässt. Alles tönt wunderbar gekonnt unperfekt. Die Melodien klingen tatsächlich wie ein schöner und sehnsuchtsvoller Nachmittag «auf dem Lande» wie es der Bandname suggeriert. Das Trio fügt aber durch ein sprödes, minimalistisches und einfühlsames Interplay der Musik wieder die nötige Offenheit und Freiheit bei. Keiner anderen Jazz Band gelingt es auf so subtile Weise – und das ohne Gitarren – einen Alternativ Rock Sound zu erzeugen. «In the Country» ist eine der Bands, die dem Jazz definitv eine neue Alternativen aufzeigen.

Harri Stojka’s schöpferischer Vielfalt ist es zu danken, dass weder seine eigenen Kompositionen, noch Interpretationen fremder Werke jemals bieder „more of the same“ bieten, sondern stets aufregend-gekonnte Kreationen mit Einflüssen aus Gipsy Jazz, Roma Musik, Reggae, Rock und sogar Metal entstehen.
Im aktuellen Fall ergänzt Stojkas famose Fingerarbeit an der Solo-Gitarre, was die „Fab Four“ zu ihrer Zeit gebaren. Musik und Spielstile blieben indes unangetastet – Bässe klingen, wie sie McCartney spielte, Drums „absolutely“ Ringo Starr, Rhythmus-Gitarren Lennon pur. Eine Hommage – vor allem an George Harrison – die echt empfundene Freude über großartige Musik unüberhörbar macht (sehr passend hier der Titel „I Feel Fine“!). Mag sein, dass sich viele Top-Musiker an Beatles-Songs versuchten, dabei allerdings wenig Großes zu Tage trat. Auf Stojkas CD jedoch geriet jeder der 17 Titel zum persönlichen Kunstwerk, das neu für sich alleine glänzt und sich doch zeitgleich würdevoll vor seinen Ursprüngen verneigt.
Ein „Tribute“, das beweist, dass man auch ohne „Lucy“ Diamanten in den Himmel zaubern (und himmlisch klingen lassen) kann.

Nach PinkFloyd (Dub Side Of The Moon) & Radiohead (RadioDread) werden die Beatles reggaefiziert: Easy Star's Lonely Hearts Dub Band

Unter Leitung des Multiinstrumentalisten und Produzenten Michael Goldwasser hat sich das New Yorker Musiker-Kollektiv EASY STAR ALL-STARS der „Reggaefizierung“ klassischer Konzeptalben der Popgeschichte verschrieben. Brillant instrumentiert und mit Respekt vor dem Original werden die unsterblichen Hits von PINK FLOYD (Dub Side Of The Moon, 2003), RADIOHEAD (Radiodread, 2006) und den BEATLES (Easy Star's Lonely Hearts Dub Band, 2009) in jamaikanische Klangwelten transferiert. Die hochkarätig besetzte Band macht sich die Songs auf originelle Art und Weise zueigen und schafft es genreübergreifend - und vor allem live - Kritiker, Rock- und Dub-Reggae-Fans gleichermaßen zu begeistern.

Y‘akoto ist intensiv wie Nina Simone & groovy wie Erykah Badu. Wenn sie singt, trifft sie ins Herz - und in die Beine. (Cosmopolitan) „Wenn die Seele spricht: was für eine Stimme! Soul mit Herz“.(Focus )
Y’akoto ist überall zu Hause: Sie pendelt zwischen Hamburg, Paris und Afrika. Ihre Musik nennt sie Soul-Seeking-Music. Mit ihren Songs will sie Geschichten erzählen, und erlebt hat die 26-Jährige jede Menge: Sie hat mit ihren Eltern u.a. in Ghana, Kamerun, Tschad und Togo gelebt. Diesen Geschichten hat das Produzenten-Team Kahedi - bestehend aus dem Freundeskreis-Frontmann Max Herre, dem HipHop-Produzenten Samon Kawamura und dem Nu-Jazz-Pianisten Roberto Di Gioia – ein maßgeschneidertes akustisches Kleid verpasst. Ihr Debütalbum „Moody Blues“ begeistert. Die Presse vergleicht ihre Stimme und Ausdruckskraft gar mit Billie Holiday und Nina Simone. Sie ist am Anfang ihrer Karriere, aber jetzt schon eine Klasse für sich. Was für eine Entdeckung!

Das Mittelalter Rockt - mit Wilder LebensArt

Mit ihrer Musik haben sie die Grenzen des Mittelalters schon lange gesprengt. Extrem tanzbar, verbinden Cultus Ferox die Wucht von Dudelsäcken und Trommeln mit Elementen aus Rock, Elektronik und zarten Streichern.
Cultus Ferox bedeutet "Wilde Lebensart". Ein Motto, dass sich die sieben Musiker nicht nur auf die Fahne geschrieben haben -  sie leben die "Wilde Lebensart". Hervorgegangen sind Cultus Ferox 2002 aus früheren Mitgliedern der Mittelalterbands Wolgemut, Fabula Aetatis, Varius Coloribus und Corvus Corax.

TrovesiOttetto: FUGACE. Der geniale Spagat zwischen Monteverdi und Armstrong

Den Namen Trovesi muss man wohl vom italienischen Verb "trovare" - entdecken, (er)finden - ableiten, vom gleichen Wortstamm wie Trouvère und Troubadour. Gianluigi Trovesi ist einer der (er)findungsreichsten Musiker der Gegenwart. Die Kombination seiner Fundstücke überrascht stets aufs Neue und offenbart einen wahrhaft universellen Geist, dem nichts Musikalisches fremd zu sein scheint.
Seit Gianluigi Trovesi vor rund zehn Jahren sein Oktett gründete, hat sich dieses Ensemble - neben dem gefeierten Duo mit Gianni Coscia, dessen Album "In Cerca Di Cibo" 1999/2000 einer der größten ECM-Erfolge war - zu der Formation entwickelt, in der der italienische Klarinettist und Saxophonist seine Fähigkeiten als Komponist und Arrangeur sowie seine Brillanz als Instrumentalist am besten zur Geltung bringen kann. Das Oktett, das nun mit "Fugace" sein erstes Album für ECM einspielte, hat einiges - etwa den Spielwitz und den gewagten Sinn fürs Parodistische - mit dem Duo gemein, verfügt dank der größeren Besetzung aber über eine breitere Ausdruckspalette.

schöne grüße aus dem rucola-bezirk: hader spielt hader. was sonst?

Aus den letzten fünf Programmen, die durchwegs geschlossene Theaterabende sind, hat Josef Hader Teile herausgenommen und zu kleinen Monologen geformt. Manches kommt einem deswegen so bekannt vor an diesem Abend, von früher, von irgendwo. Und er gibt auch zu, dass er gestohlen hat. Doch kommt es darauf an? Bei dem guten Verhältnis von Täter und Opfer… Aus der Fülle der Figuren entsteht eine Geschichte, die eines für sich beanspruchen kann: ein neues Hader-Programm zu sein. Ein echtes.

"Es gibt weltweit keinen besseren Hader als Hader." (taz)
"Was nun der wirkliche Hader hinter dem Hader ist, der den Hader spielt, das lässt sich nur erahnen." (Berliner Tagesspiegel)
"...dann ist die Falle zugeschnappt und man klebt ihm an den Lippen." (Nürnberger Zeitung)

Irgendwo zwischen Folk und Pop, mit ein bisschen Klassik und Jazz: ein Kind von Chopin und Sarah McLachlan

"Irgendwo zwischen Folk und Pop, mit ein bisschen Klassik und Jazz“, siedelt Vienna Teng selbst ihre Musik an. „Es ist etwas frustrierend, keine griffigere Bezeichnung bieten zu können. Aber gleichzeitig zeigt es wohl, dass ich irgendetwas richtig mache.“ Sehr richtig sogar. Seit die 28-jährige „asiatisch-amerikanische Kalifornierin“ im Jahre 2002 ihren Job als Programmiererin bei Cisco-Systems kündigte, um sich ganz ihrer Musik zu widmen, hat das „Kind von Chopin und Sarah McLachlan“ (San Jose Mercury News) ihren „sanften und anspruchsvollen Sopran“ (Washington Post), ihre „schlauen und introspektiven Texte“ (Philadelphia Daily News) und ihre „verschlungenen Klavierarrangements“ (Entertainment Weekly) erfolgreich unter ihre Landsleute gebracht – in TV-Hits wie der „Letterman Show“ und auf Tour mit Kollegen wie Madeleine Peyroux, Shawn Colvin, Duncan Sheik, Joan Baez oder den Indigo Girls.

TIME MAGAZIN: die erste Diva Afrikas. Eine Diva der Fröhlichkeit. Eine Diva der Herzen.

Nach dem Tode von Miriam Makeba ist Angélique Kidjo Afrikas wichtigste Stimme geworden: die erste Diva Afrikas. Eine Diva der Fröhlichkeit. Eine Diva der Herzen. (Time Magazin). „Souverän, stark, wuchtig umhüllt von einer Aura des Auserwählten - eine Hochadlige ihrer Musik, die mit rauer Stimme ihre Botschaften hervorbellt, nach Herzenslaune mit dem Publikum flirtet, ohne je die Distanz zu verlieren. Mit einer Stimme, die zum Orkan schwillt oder sich schüchtern in die Kehle zurückzieht, die böse und bedrohlich sein kann und zart und einschmeichelnd.“ (Die Welt) - Angélique Kidjos Musik ist pure Magie, die unbändige Lebensfreude und Heiterkeit atmet.
„Ihr Geist ist unbesiegbar, und sie erweckt alles, was sie berührt, zum Leben.“ Peter Gabriel.
Die mit vier! Grammy’s ausgezeichnete Sängerin, Tänzerin & Songschreiberin aus Benin ist definitiv eine Künstlerin des globalisierten 21. Jahrhunderts - ihre Kunst überquert Grenzen, Genres und Ethnien, spürt Verbindungen auf, bleibt aber dabei eigenen Traditionen treu.

TIME MAGAZIN: die erste Diva Afrikas. Eine Diva der Fröhlichkeit. Eine Diva der Herzen.

Nach dem Tode von Miriam Makeba ist Angélique Kidjo Afrikas wichtigste Stimme geworden: die erste Diva Afrikas. Eine Diva der Fröhlichkeit. Eine Diva der Herzen. (Time Magazin). „Souverän, stark, wuchtig umhüllt von einer Aura des Auserwählten - eine Hochadlige ihrer Musik, die mit rauer Stimme ihre Botschaften hervorbellt, nach Herzenslaune mit dem Publikum flirtet, ohne je die Distanz zu verlieren. Mit einer Stimme, die zum Orkan schwillt oder sich schüchtern in die Kehle zurückzieht, die böse und bedrohlich sein kann und zart und einschmeichelnd.“ (Die Welt) - Angélique Kidjos Musik ist pure Magie, die unbändige Lebensfreude und Heiterkeit atmet.
„Ihr Geist ist unbesiegbar, und sie erweckt alles, was sie berührt, zum Leben.“ Peter Gabriel.
Die mit vier! Grammy’s ausgezeichnete Sängerin, Tänzerin & Songschreiberin aus Benin ist definitiv eine Künstlerin des globalisierten 21. Jahrhunderts - ihre Kunst überquert Grenzen, Genres und Ethnien, spürt Verbindungen auf, bleibt aber dabei eigenen Traditionen treu.

Der wichtigste Jazzpianist seiner Generation.

Erneuerer des klassischen Jazz-Klaviertrios, emotionstiefer Eklektiker, eigenwilliger Traditionalist und großer Romantiker. Solche Titulierungen muss Brad Mehldau ebenso über sich ergehen lassen wie den wegen biografischer Parallelen stets gezogenen Vergleich mit Bill Evans: hochsensibel, inspiriert, melancholisch, romantisch, von einer inneren Kraft getrieben.
Brad Mehldau ist ein faszinierender Künstler, der nicht nur auf den Tasten des Klaviers spielt. Er spielt mit lyrischen Stimmungen und intimen Zwischentönen. Art Tatum und Oscar Peterson sind seine künstlerischen Vorfahren aus den «heroischen» Zeiten des Jazz; Bill Evans und Paul Bley die Vorbilder für sein musikalisches Konzept.